arp shop

(Preise ab 18.000,00€ - 20.000,00€ pro Skulptur)

Größen zwischen 1,60 m  - 1,98 cm - Originale-

Auftragsarbeiten sind möglich. 

Holz: Pappel

Größe: 190x145cm Acryl auf Leinwand

DIETER WOLTHOFF

geboren in Ostfriesland

Studium der  Kunstpädagogik an der Universität Lüneburg 

Malerei (Prof. Gerhard Fietz), an der Hochschule der Künste in Berlin

Art Students League of New York, Assistent in der Malklasse von Prof. Larry Poons.

2000-02 unterrichtete er an der Pollock-Krasner Foundation in New York 

2006-07 an der National Universität Peking, Gastprofessur

Seit einigen Jahren lebt und arbeitet er nun wieder in Aschaffenburg.

Mit dieser aussergewöhnlichen Biografie und seiner Leidenschaft fürs Reisen wurde

Dieter Wolthoff zu dem Künstler, der durch diese vielschichtigen Erlebnisse den gesellschaftlichen

und relevanten Zeitgeist auf die Leinwand bringt.

Dem Künstler geht es um den Ausdruck von Innenwelten, nicht um Realismus. Er vereint

verschiedene Malstile, wie Impressionismus, figurativem Expressionismus, Abstraktion und

informeller Kunst. 

80x60 cm auf Leinwand 

Jahr: 2022

DIETER WOLTHOFF

geboren in Ostfriesland

Studium der  Kunstpädagogik an der Universität Lüneburg 

Malerei (Prof. Gerhard Fietz), an der Hochschule der Künste in Berlin

Art Students League of New York, Assistent in der Malklasse von Prof. Larry Poons.

2000-02 unterrichtete er an der Pollock-Krasner Foundation in New York 

2006-07 an der National Universität Peking, Gastprofessur

Seit einigen Jahren lebt und arbeitet er nun wieder in Aschaffenburg.

Mit dieser aussergewöhnlichen Biografie und seiner Leidenschaft fürs Reisen wurde Dieter Wolthoff zu dem Künstler, der durch diese vielschichtigen Erlebnisse den gesellschaftlichen und relevanten Zeitgeist auf die Leinwand bringt.

Dem Künstler geht es um den Ausdruck von Innenwelten, nicht um Realismus. Er vereint

verschiedene Malstile, wie Impressionismus, figurativem Expressionismus, Abstraktion und

informeller Kunst. 

70x90cm Öl auf Leinwand

Torsten Wolber,

Jahrgang 1964, arbeitet seit knapp 30 Jahren als freiberuflicher Illustrator und Illustratorlehrer für digitale Malerei. 2020 hat er sich ganz der Ölmalerei verschrieben.

Im Fokus des Künstlers stehen Portraits und figurative Motive, die er mit spontaner und schneller Pleinair / Freiluft Malerei verbindet. Studiert hat Torsten Wolber Grafikdesign.

Er lebt und arbeitet in Köln.

200 x 160 cm Acryl Mischtechnik auf roher Leinwand

"The works of the Frankfurt artist Daniela Schweinsberg can be classified as gestural abstraction.

The works created with acrylic, oil, spray paint and mixed media are powerful and colorful; the

gestural moment dominates the entire rhythm of the painting. A challenge for the viewer."

(Patricia Corboud)

150 x 120 cm Acryl Mischtechnik auf roher Leinwand

"The works of the Frankfurt artist Daniela Schweinsberg can be classified as gestural abstraction.

The works created with acrylic, oil, spray paint and mixed media are powerful and colorful; the

gestural moment dominates the entire rhythm of the painting. A challenge for the viewer."

(Patricia Corboud)

160 x 160 cm Acryl Mischtechnik auf roher Leinwand

"The works of the Frankfurt artist Daniela Schweinsberg can be classified as gestural abstraction.

The works created with acrylic, oil, spray paint and mixed media are powerful and colorful; the

gestural moment dominates the entire rhythm of the painting. A challenge for the viewer."

(Patricia Corboud)

80 x 80 cm Acryl Mischtechnik auf roher Leinwand

"The works of the Frankfurt artist Daniela Schweinsberg can be classified as gestural abstraction.

The works created with acrylic, oil, spray paint and mixed media are powerful and colorful; the

gestural moment dominates the entire rhythm of the painting. A challenge for the viewer."

(Patricia Corboud)

 5 Lagen handgeschnittenes Stencil

30 x 30 cm spraypaint auf 4 portugiesischen Fliesen 

Schattenfugernrahmen 

Jahr: 2023

Frederick Reifsteck ist ein Urban Art Künstler aus Frankfurt am Main. Seine Motive entstehen mittels Schablonen, die er von Hand mit einem Skalpell ausschneidet, oftmals arbeitet er collageartig mit verschiedenen Materialien und Techniken. Er fokussiert sich auf Portraits und seine Serie der Urban Ballerinas, die seit 2023 vermehrt in seinen Bildern auftauchen. Die Motive schält er aus ihrer ursprünglichen Umgebung und setzt sie in einen neuen Kontext. Charakteristisch für seine Arbeiten ist die Dualität von Straße und Innenraum. Statisch und Impulsiv. Chaos und Ordnung. Dabei entsteht einerseits ein Spannungsfeld von Gegensätzen, auf der anderen Seite eine harmonische Symbiose. Durch seine Verbundenheit mit der Street- und Urban Art baut er immer wieder Graffitielemente oder architektonische Ausschnitte mit ein. Ein maßgeblicher Teil seiner Arbeit ist die Auswahl der verschiedenen Untergründe, wie Straßenschilder oder alte Holzplanken, die ihrer eigentlichen Funktion entrissen sind und im Kunstkontext ein neues Eigenleben entwickeln.

7-Layer handcut stencil

Spraypaint auf Karton und schwarzem Schattenfugenrahmen

Größe: 16x27 cm

Frederick Reifsteck ist ein Urban Art Künstler aus Frankfurt am Main. Seine Motive entstehen mittels Schablonen, die er von Hand mit einem Skalpell ausschneidet, oftmals arbeitet er collageartig mit verschiedenen Materialien und Techniken. Er fokussiert sich auf Portraits und seine Serie der Urban Ballerinas, die seit 2023 vermehrt in seinen Bildern auftauchen. Die Motive schält er aus ihrer ursprünglichen Umgebung und setzt sie in einen neuen Kontext. Charakteristisch für seine Arbeiten ist die Dualität von Straße und Innenraum. Statisch und Impulsiv. Chaos und Ordnung. Dabei entsteht einerseits ein Spannungsfeld von Gegensätzen, auf der anderen Seite eine harmonische Symbiose. Durch seine Verbundenheit mit der Street- und Urban Art baut er immer wieder Graffitielemente oder architektonische Ausschnitte mit ein. Ein maßgeblicher Teil seiner Arbeit ist die Auswahl der verschiedenen Untergründe, wie Straßenschilder oder alte Holzplanken, die ihrer eigentlichen Funktion entrissen sind und im Kunstkontext ein neues Eigenleben entwickeln.

Objet Trouvés

30 cm H

Eri Hahn 

Künstlerin - 1940 geboren

Seit mehr als 50 Jahren ist Eri Hahn leidenschaftliche Sammlerin gebrauchter Materialien.

Stoff, Metall, Holz - Zerschlissen, Verrostet. Sie sind der Stoff für ihre Skulpturen.

Verwandlung von Altem in Neues. Dinge, die von Spuren gezeichnet sind, die das Leben hinterlassen hat, Zeugen der Wertschätzung und der Fehlerhaftigkeit. 

Objee trouvés die in ihrer Verletztheit, und für Andere nicht erkennbaren Schönheit, übersehen werden.

Die Arbeit an einem Objekt kann mehrere Monate dauern. Es gibt vorab keine Skizzen, es gibt keinen konkreten Plan. Hahn lässt sich stattdessen vom Material inspirieren und führen. 

So entsteht sukzessive und fast zwangsläufig unter ihren Händen eine Skulptur, bei der Stück für Stück und Detail für Detail zusammenfügt wird.

100 x 120 cm Öl/Acryl auf Leinwand

Jürgen Stenger

Seine Portraits  sind klar, pur und kompromisslos - nichts Unvollkommenes irritiert unsere Wahrnehmung. 

Diese unglaubliche Präzision weiß Jürgen Stenger gekonnt durch farbige Flächen, Linien oder Unschärfen aufzulösen, so dass fast der Eindruck entsteht,

sein Werk sei eine noch frische Erinnerung an eben Erlebtes.

Trotz des fotorealistischen Perfektionismus schafft es der Künstler, seinen Ikonen durch warme, unaufgeregte Farbkompositionen und durch

die Naturleinwand eine zarte, fast verletzliche Anmut zu geben. 

Bei den Arbeiten mit den kräftigen Farben tritt diese Anmut zurück und bekommt eine erfrischende, natürliche und fröhliche Aura… die Macht der Farben! 

80 x 80 cm Öl/Acryl auf Leinwand

Auftragsarbeiten möglich.

Jürgen Stenger

Seine Portraits  sind klar, pur und kompromisslos - nichts Unvollkommenes irritiert unsere Wahrnehmung. 

Diese unglaubliche Präzision weiß Jürgen Stenger gekonnt durch farbige Flächen, Linien oder Unschärfen aufzulösen, so dass fast der Eindruck entsteht, 

sein Werk sei eine noch frische Erinnerung an eben Erlebtes.

Trotz des fotorealistischen Perfektionismus schafft es der Künstler, seinen Ikonen durch warme, unaufgeregte Farbkompositionen und durch

die Naturleinwand eine zarte, fast verletzliche Anmut zu geben. 

Bei den Arbeiten mit den kräftigen Farben tritt diese Anmut zurück und bekommt eine erfrischende, natürliche und fröhliche Aura… die Macht der Farben! 

80 x 80 cm Öl/Acryl auf Leinwand

Auftragsarbeiten möglich.

Jürgen Stenger

Seine Portraits  sind klar, pur und kompromisslos - nichts Unvollkommenes irritiert unsere Wahrnehmung. 

Diese unglaubliche Präzision weiß Jürgen Stenger gekonnt durch farbige Flächen, Linien oder Unschärfen aufzulösen, so dass fast der Eindruck entsteht,

sein Werk sei eine noch frische Erinnerung an eben Erlebtes.

Trotz des fotorealistischen Perfektionismus schafft es der Künstler, seinen Ikonen durch warme, unaufgeregte Farbkompositionen und durch

die Naturleinwand eine zarte, fast verletzliche Anmut zu geben. 

Bei den Arbeiten mit den kräftigen Farben tritt diese Anmut zurück und bekommt eine erfrischende, natürliche und fröhliche Aura… die Macht der Farben! 

Öl auf Leinwand gerahmt 

Größe: 100x70 

Vinzenz Schüller

hat sich in seiner Arbeit auf scheinbar alltägliche Szenen spezialisiert. In seinen Bildern verbindet er Menschen mit dem öffentlichen, meist urbanen Raum auf charakteristische Art und Weise. 

Die auf den ersten Blick eher zufällig anmutenden Bildkompositionen erweisen sich beim genaueren Betrachten als sorgfältig arrangierte Szenarien mit Tiefe und erzeugen eine starke, andauernde Wirkung.

Schüller erzählt vom Zauber des weiten Raums, von Horizonten, von Perspektiven – vom Licht und seiner Wirkung. 

Städtischer Alltag: wer hätte gedacht, dass man ihm so viel Zauber entlocken kann. Wenn das Licht sich in den Fenstern der Hochhäuser bricht, oder wenn aus romantischem Schattenblau das Orange der künstlichen Sitzlandschaften aufleuchtet. 

Die Menschen, die er zeigt, sind selten am Kontakt mit dem Betrachter interessiert, sie schauen seitwärts, kehren den Rücken zu und lassen doch spüren, dass ihr Leben in der Stadt das Schlechteste nicht sein kann. 

Original Gemälde des Wiener Künstlers Vinzenz Schüller

Öl auf Leinwand gerahmt 

Größe: 100x70 cm

Vinzenz Schüller

hat sich in seiner Arbeit auf scheinbar alltägliche Szenen spezialisiert. In seinen Bildern verbindet er Menschen mit dem öffentlichen, meist urbanen Raum auf charakteristische Art und Weise. 

Die auf den ersten Blick eher zufällig anmutenden Bildkompositionen erweisen sich beim genaueren Betrachten als sorgfältig arrangierte Szenarien mit Tiefe und erzeugen eine starke, andauernde Wirkung.

Schüller erzählt vom Zauber des weiten Raums, von Horizonten, von Perspektiven – vom Licht und seiner Wirkung. 

Städtischer Alltag: wer hätte gedacht, dass man ihm so viel Zauber entlocken kann. Wenn das Licht sich in den Fenstern der Hochhäuser bricht, oder wenn aus romantischem Schattenblau das Orange der künstlichen Sitzlandschaften aufleuchtet. 

Die Menschen, die er zeigt, sind selten am Kontakt mit dem Betrachter interessiert, sie schauen seitwärts, kehren den Rücken zu und lassen doch spüren, dass ihr Leben in der Stadt das Schlechteste nicht sein kann. 

50 cm H - Stahl

Markus Koch

Als freischaffender Künstler beschäftigte ich mich in meinem Werkschaffen mit Stahlplastiken, deren einziger Bestandteil von mir selbst hergestellte Metallstreifen sind.

Dieses in dieser Art neue Ausdrucksmittel ermöglicht trotz seiner strengen Reduktion eine breite Bandbreite künstlerischen Ausdrucks und ist für mich schier unendliche Quelle schöpferischer Inspiration.

Wahrnehmungen, Zusammenhänge, Wechselwirkungen sind mein großes Thema. Im Besonderen die unbewusste, verborgene Kommunikation allen Lebens.

Die Streifen stehen für mich für die unsichtbaren Verbindungen, die alles vernetzen.

Ursache und Wirkung, einander beeinflussende, parallel laufende Entwicklungen in Bezug auf einen Zeitabschnitt lassen sich in ihrer Komplexität nicht treffender

und reduzierter darstellen als in einer Linie, die ein raumgreifendender (Metall)streifen in der dritten Dimension erweitert und noch vielschichtiger abbildet. Dessen 

Material gibt einen Hinweis auf Basis, Herkunft und Fortgang dieser grundlegenden und universellen Struktur.

Acryl auf Papier auf Leinwand

Größe: 100 x 75 cm

Größe: 36 cm H // Eiche

Der vielseitiger Künstler Achim Ripperger aus Frankfurt am Main, ist bekannt für seine innovative und expressive Kunst.

Er schafft einzigartige Werke in Holz, Eisen, Bronze und Aluminium, die sowohl visuell beeindruckend als auch tiefgründig beseelt sind.

Durch seine Skulpturen im öffentlichen Raum sowie zahlreichenAusstellungen im In- und Ausland hat sich Ripperger einenNamen gemacht

und entwickelt sich zu einer bedeutenden Figur in der zeitgenössischen Kunstszene.

(Ltd. Edition)

Material: Acrylix

Größe: 34 cm H 

Birgit Feils Protagonisten treten gelassen und zurückhaltend auf, ohne sich aufdringlich in den Vordergrund zu stellen. 

Ein repräsentativer Querschnitt unserer Mitmenschen, denen wir täglich irgendwo begegnen.

Durch die Entnahme aus dem realen Kontext werden ihre Figuren isoliert und verallgemeinert.

Dies verleiht ihren Werken eine existenzielle Ausstrahlung, die eine intensive Präsenz vermittelt und ein fast körperliches

Selbstbewusstsein im gegenwärtigen Moment zeigt. Die Skulpturen formt sie zunächst aus Ton und betont bewusst die

Spuren des Entstehungsprozesses, bisweilen sind sogar die Fingerabdrücke auf der Oberfläche erkennbar. Anschließend

gießt sie sie in einer Negativform aus Beton oder Acrystal.

(Ltd. Edition)

Material: Acrylix

Größe: 34 cm H 

Birgit Feils Protagonisten treten gelassen und zurückhaltend auf, ohne sich aufdringlich in den Vordergrund zu stellen. 

Ein repräsentativer Querschnitt unserer Mitmenschen, denen wir täglich irgendwo begegnen. Durch die Entnahme aus dem realen Kontext werden ihre Figuren isoliert und verallgemeinert. Dies verleiht ihren Werken eine existenzielle Ausstrahlung, die eine intensive Präsenz vermittelt und ein fast körperliches Selbstbewusstsein im gegenwärtigen Moment zeigt. Die Skulpturen formt sie zunächst aus Ton und betont bewusst die Spuren des Entstehungsprozesses, bisweilen sind sogar die Fingerabdrücke auf der Oberfläche erkennbar. Anschließend gießt sie sie in einer Negativform aus Beton oder Acrystal.

Ölgemälde 

80 x 80 cm auf Holzrahmen 

Jahr:2024

Julia Ulrich

Julia Ulrich erschafft mit ihren figurativen Gemälden intime Momentaufnahmen, die den Kontrast zwischen Stärke und Verletzlichkeit, Tradition und Moderne erkunden. Ihre Werke spielen mit Texturen, Licht und Schatten, um Geschichten zu erzählen, die das Alltägliche und das Unerwartete verbinden.

Ölgemälde 

50 x 100 cm auf Holzrahmen

Jahr:2024

Julia Ulrich erschafft mit ihren figurativen Gemälden intime Momentaufnahmen, die den Kontrast zwischen Stärke und Verletzlichkeit, Tradition und Moderne erkunden. Ihre Werke spielen mit Texturen, Licht und Schatten, um Geschichten zu erzählen, die das Alltägliche und das Unerwartete verbinden.

Porzellan Skulptur auf Ahornsockel

Nuria Torres

Marble, porcelain and stoneware constitute the language of my sculptural proposals. After years of dedication and passion I have been perfecting my craft, acquiring the knowledge to achieve a great variety of projects.

Serie: Märchen, die noch nicht erzählt worden sind.

Öl/Acryl/Marker, Pencil auf Leinwand, Größe 60x60 cm aus 2023

Anja Wülfings künstlerischer Ansatz konzentriert sich auf die Gegenüberstellung von Kontrasten und Gegensätzen, was sie auf die Dualität ihrer kreativen Impulse zurückführt – von den traditionellen Darstellungen und Maltechniken des Barock, Rokoko bis zum Neoklassizismus und von der modernen, abstrakten Malerei.

In ihren Bildern trifft Figürliches auf Abstraktion – und Tradition auf Progression – was durch die Kombination verschiedener Oberflächen und Maltechniken erreicht wird. 

Die Malerin vernäht feine und grobe Leinwandstoffe und malt zuerst alle farbigen Flächen in Acryl. 

Danach fügt sie – mit größtem Respekt und Demut vor den originalen Meisterwerken – die Figuren in Öl hinzu. 

Der Malprozess ist geplant und akribisch. Dann fügt sie freie, abstrakten Elemente mit Acrylfarbe, Bleistiften und Markern spontan und schnell hinzu. 

Durch das Zusammenspiel der traditionellen Techniken der alten Meister mit den ausdrucksstarken Möglichkeiten der moderner Malerei schafft Wülfing eine unkonventionelle Balance zwischen Figuren, Formen und Farben.

Anja Wülfing beschäftige sich intensiv mit der Geschichte, die das Original Gemälde erzählt; mit dem Maler, der abgebildeten Person und ihren Leben.

Serie: Märchen, die noch nicht erzählt worden sind.

Öl/Acryl/Marker, Pencil auf Leinwand, Größe 60x60 cm aus 2023

Anja Wülfings künstlerischer Ansatz konzentriert sich auf die Gegenüberstellung von Kontrasten und Gegensätzen, was sie auf die Dualität ihrer kreativen Impulse zurückführt – von den traditionellen Darstellungen und Maltechniken des Barock, Rokoko bis zum Neoklassizismus und von der modernen, abstrakten Malerei.

In ihren Bildern trifft Figürliches auf Abstraktion – und Tradition auf Progression – was durch die Kombination verschiedener Oberflächen und Maltechniken erreicht wird. 

Die Malerin vernäht feine und grobe Leinwandstoffe und malt zuerst alle farbigen Flächen in Acryl. 

Danach fügt sie – mit größtem Respekt und Demut vor den originalen Meisterwerken – die Figuren in Öl hinzu. 

Der Malprozess ist geplant und akribisch. Dann fügt sie freie, abstrakten Elemente mit Acrylfarbe, Bleistiften und Markern spontan und schnell hinzu. 

Durch das Zusammenspiel der traditionellen Techniken der alten Meister mit den ausdrucksstarken Möglichkeiten der moderner Malerei schafft Wülfing eine unkonventionelle Balance zwischen Figuren, Formen und Farben.

Anja Wülfing beschäftige sich intensiv mit der Geschichte, die das Original Gemälde erzählt; mit dem Maler, der abgebildeten Person und ihren Leben.

Serie: Märchen, die noch nicht erzählt worden sind. 

Öl/Acryl/Marker, Pencil auf Leinwand, Größe 60x60 cm aus 2023

Anja Wülfings künstlerischer Ansatz konzentriert sich auf die Gegenüberstellung von Kontrasten und Gegensätzen, was sie auf die Dualität ihrer kreativen Impulse zurückführt – von den traditionellen Darstellungen und Maltechniken des Barock, Rokoko bis zum Neoklassizismus und von der modernen, abstrakten Malerei.

In ihren Bildern trifft Figürliches auf Abstraktion – und Tradition auf Progression – was durch die Kombination verschiedener Oberflächen und Maltechniken erreicht wird. 

Die Malerin vernäht feine und grobe Leinwandstoffe und malt zuerst alle farbigen Flächen in Acryl. 

Danach fügt sie – mit größtem Respekt und Demut vor den originalen Meisterwerken – die Figuren in Öl hinzu. 

Der Malprozess ist geplant und akribisch. Dann fügt sie freie, abstrakten Elemente mit Acrylfarbe, Bleistiften und Markern spontan und schnell hinzu. 

Durch das Zusammenspiel der traditionellen Techniken der alten Meister mit den ausdrucksstarken Möglichkeiten der moderner Malerei schafft Wülfing eine unkonventionelle Balance zwischen Figuren, Formen und Farben.

Anja Wülfing beschäftige sich intensiv mit der Geschichte, die das Original Gemälde erzählt; mit dem Maler, der abgebildeten Person und ihren Leben.

Mixed Media Collage auf Ulmer Holzgrund

Technik: Hawaiianischer Stoff mit Acryl, Oilsticks, Ripsband und Bleistift

Größe : 40x50 cm

Mixed Media Collage auf Ulmer Holzgrund

Technik: Hawaiianischer Stoff mit Acryl, Oilsticks, Ripsband und Bleistift

Größe : 40x40 cm

Mixed Media Collage auf Ulmer Holzgrund

Technik: Hawaiianischer Stoff mit Acryl, Oilsticks, Ripsband und Bleistift

Größe : 40x40 cm

Mixed Media Collage auf Ulmer Holzgrund

Technik: Hawaiianischer Stoff mit Acryl, Oilsticks, Ripsband und Bleistift

Größe : 50x50 cm

Original der Hanauer Künstlerin Mari Arp

Acryl auf Leinwand

200 x 105 cm

Abstrakt - informell

Druck mit Acryl auf Leinwand

100x 140 cm 

Jahr: 2023

DIE WUNDMALE DER POP-IKONEN (von Dr. Roland Held, Kunstkurator)

Man muss, wenn einem beim Stichwort Transfer-Technik nichts besseres einfällt als halbgare Experimente im Kunstunterricht der eigenen Schulzeit, nicht bis zu Robert Rauschenberg gehen, um zu sehen, welche schöpferischen Möglichkeiten tatsächlich darin stecken. Mari Arp hat den Foto-Transfer, bei dem die Farbschicht durch Einsatz von Lösungsmittel übertragen wird auf den Bildträger, geradezu zum Distinktionsmerkmal ihres Schaffens gemacht. Was ihr ständig die richtige Mischung von Körpereinsatz und Fingerspitzengefühl abverlangt. Mit Rauschenberg (und der Pop-Art generell) freilich teilt sie die Vorliebe für Motivmaterial aus der zeitgenössischen Konsum- und Medienwelt. An den Glamour-Faktor appellieren die lange intensiv von ihr genutzten Porträtfotos von Stars aus Film und Pop-Musik wie Audrey Hepburn, Elizabeth Taylor, Marlon Brando, James Dean, Elvis Presley einerseits, anonymen Models auf den Titelseiten etwa von „Vogue“ andererseits. Ikonisch bekannte Ablichtungen, wiedergegeben auf teils ambitionierten Formaten. Doch der Versuchung, echte Ikonen zur schmachtenden Anbetung zu liefern, erliegt diese Künstlerin nicht. Wie sie das aus medialen Quellen Bezogene in ihrer Malerei weiter prozessiert und sich so zueigen macht... wie sie die ursprünglich makellosen Porträts wechselweise einbettet in Streifen von Acrylfarbe und Schlagmetall, in Schürf- und Rinnspuren, Magazinschnipsel, Partiturnoten, Punktraster, dickglänzende Gusshäute aus Kunstharz, markige Drucklettern und drahtdünne skripturale Einsprengsel von Hand... wie das Ergebnis am Ende immer eine Anmutung von Collage hat... – all das unterläuft jede popkulturelle Heiligenverehrung. Die Arbeiten hinterfragen vielmehr das „Festhaltenwollen an den Dingen“ (Arp), indem sie über die gezielt zugefügten Schadensmale des Materials auf die Vergänglichkeit jedweder Idole und Illusionen verweisen. Andere Serien operieren witzig-subversiv, montieren zeremoniös herausgeputzten Personen eine Zigarette zwischen die Lippen oder eine Kaugummiblase vor den Mund. Etwas von solcher Ironie trägt Mari Arp derzeit hinein in ihre laufende Bildkonzeption. Mit bizarren Fantasie-Kopfbedeckungen förmlich bekrönt sind die von der Kamera frontal erfassten jungen Leute  – diesmal normale Zeitgenossen statt Celebrities –, die den Betrachter fixieren, aus genau den durchweg blauen Augen, die die Künstlerin sogar den gelegentlich auf ihren Bildern erscheinenden Hunden, Vögeln, Kühen verleiht. Der Betrachter mag schmunzeln, die Modelle bleiben ernst. Für humoristische Ausbrüche haben sie offenbar zu viel mit sich selber zu tun: umzingelt von den Zweifeln, die mit der Adoleszenz einhergehen, jener vom Ringen um Selbstdefinition geprägten Lebensphase zwischen Noch-Kind und Schon-Erwachsen. „Ich wage es jetzt, auch mal Geschichten zu erzählen“, verrät die Urheberin der Bilder, abermals eine Serie, von der man noch einiges erwarten

darf.  

130x160cm Acryl auf Leinwand

Adam Pete ist in Polen geboren und im Alter von 19 Jahren mit seinen Eltern nach Fulda gezogen.

In seiner Zeit in Polen gehörte er bereits zu einem Kreis von zukünftigen Meisterschülern des klassisch/realistischen Maler Stanislaw Filipiak.

1998 zog er auf die Mittelmeerinsel Mallorca, wo er bis heute lebt und arbeitet.

Adam Pete ist nicht nur ein begnadeter Maler, sonder auch Zeichner, Musiker, Lyriker und Performer, der durch namenhafte Galerien international bekannt geworden ist.

Mit seiner Malerei und der Kunst an sich im Allgemeinen, verhält es sich ähnlich wie mit einer Liebesbeziehung; zunächst verliebt man sich in das Äußerliche, um dann mit

der Zeit, die versteckten Eigenschaften und Geheimnisse des Anderen nach und nach zu entdecken. 

Adams’ Gemälde versprühen diese Emotionen, diesen besonderen, unaussprechbaren Charme, eine Art „Magischer Wellen“. 

Eine subtile Botschaft, Gefühle, sensible Eindrücke zu vermitteln ist keine so einfache Aufgabe, deswegen ist es ja von enormer Wichtigkeit zu bedenken, daß hinter jedem sichtbarem, scheinbar einfachen, dem Auge bekanntem und gewöhntem, ein ganzes Universum der unendlichen, eigenen Fantasie versteckt liegen kann.

Bronzeskulptur des spanischen Bildhauers Manuel Mediavilla mit silber Legierung (nr. 3)

Größe: 20x20x50 cm - der Sockel ist 20x20x10 cm

8 Originale

Manuel Mediavilla holds a degree in Fine Arts, specialising in Sculpture, from the Complutense University of Madrid. His work is part of the tradition of figurative sculpture, sticking to the naturalistic representation of the body. Scenes halfway between the mythological and the classical are combined with the real and the contemporary.

His sculptural work revolves around several elements that are repeated in most of his works, as well as certain materials such as bronze, metal and resin.

The swimmers appear alone or accompanied by other swimmers, and by other elements or animals. Swimmers are almost always represented in an artificial environment relating to the aquatic environment, made up of planes and surfaces subjected to a strict geometric stylization that have a double function: both structural and allusive.

Water symbolizes the space in which to move, it can appear represented or absent but always present. The liquid element is an amorphous, labile matter, whose positive and negative presence is specified in the precise suspension of the movement of figures submerged in pure depth.

The animal is one more being in the artificial context of man. I always incarnate animals outside of their natural environment as if they were humans or as if humans were rather animals. Both are related equally in a silent dialogue.

POETICS OF NARCISSUS. 

The project "Poetics of Narcissus" stems from the myth of Narcissus according to Ovid's text in the Metamorphoses.

From this and other texts, questions arise for me about the reflection of Narcissus, about his own image, about the reflection that appears around the mirror, the reflection, the surfaces that provoke it and that give us back our own formed or deformed image.  Ovid's text is the beginning of many of the conjectures we make about our identity, how we think we are, how we perceive ourselves, what our relationship is with our own self and how others see us. 

In short, it is an attempt to answer the question: What does the mirror reflect? 

In today's Western societies, smartphones have become the new mirrors, generating an unprecedented dynamic of virtualisation of real life. Young contemporary Narcissus employs the image and its reflection as never before. They use the networks to expand their image, producing a use and abuse of it, generating a new wave of narcissism that gives way to the culture of Reflexolatry.

The act of using the mobile phone and holding it entails the inclination of the head, showing an exercise of submission to the screen-image like Narcissus in the pond. The screen-image demands submission, bending us to the tyranny of the reflection of our own image.

The consumption of the image through sight is rewarded.

Bronzeskulptur des spanischen Bildhauers Manuel Mediavilla mit silber Legierung (nr. 4)

Größe: 20x12x33 cm - der Sockel ist 9x20x15 cm

8 Originale

Manuel Mediavilla holds a degree in Fine Arts, specialising in Sculpture, from the Complutense University of Madrid. His work is part of the tradition of figurative sculpture, sticking to the naturalistic representation of the body. Scenes halfway between the mythological and the classical are combined with the real and the contemporary.

His sculptural work revolves around several elements that are repeated in most of his works, as well as certain materials such as bronze, metal and resin.

The swimmers appear alone or accompanied by other swimmers, and by other elements or animals. Swimmers are almost always represented in an artificial environment relating to the aquatic environment, made up of planes and surfaces subjected to a strict geometric stylization that have a double function: both structural and allusive.

Water symbolizes the space in which to move, it can appear represented or absent but always present. The liquid element is an amorphous, labile matter, whose positive and negative presence is specified in the precise suspension of the movement of figures submerged in pure depth.

The animal is one more being in the artificial context of man. I always incarnate animals outside of their natural environment as if they were humans or as if humans were rather animals. Both are related equally in a silent dialogue.

POETICS OF NARCISSUS. 

The project "Poetics of Narcissus" stems from the myth of Narcissus according to Ovid's text in the Metamorphoses.

From this and other texts, questions arise for me about the reflection of Narcissus, about his own image, about the reflection that appears around the mirror, the reflection, the surfaces that provoke it and that give us back our own formed or deformed image.  Ovid's text is the beginning of many of the conjectures we make about our identity, how we think we are, how we perceive ourselves, what our relationship is with our own self and how others see us. 

In short, it is an attempt to answer the question: What does the mirror reflect? 

In today's Western societies, smartphones have become the new mirrors, generating an unprecedented dynamic of virtualisation of real life. Young contemporary Narcissus employs the image and its reflection as never before. They use the networks to expand their image, producing a use and abuse of it, generating a new wave of narcissism that gives way to the culture of Reflexolatry.

The act of using the mobile phone and holding it entails the inclination of the head, showing an exercise of submission to the screen-image like Narcissus in the pond. The screen-image demands submission, bending us to the tyranny of the reflection of our own image.

The consumption of the image through sight is rewarded.

Gerahmt in schwarz , geschützt durch eine Plexiglasscheibe.

Größe: 65 x 53 cm Öl auf Leinwand 

Jahr: 2024

Will YU 尤瑋毅

1977. 01. 31 

I'm come from Taiwanese artist, Will YU (JF#$). The creation of human nature on the subject of life philosophy is my artistic work for many years. I think that life is a very important matter, and art is a secondary issue. Because if you seriously think about all the problems in life, your artistic creation will naturally be strong. However, art must be

"sincere".

We had that imaginary world in our minds when we were little.

As i grew up, I still pursue that wonder world.

Because art is "here"

Because I am, art is here

Because art is here, my life truly "exists" people see my dreams rather than telling them.

"I am art"

Artist Statement

A highly-reputed ancient Chinese philosopher, Laozi, once put down:

"Observe your mind by introspection, and see there is no mind; then observe the body, look at yourself from without, and see there is no body; then observe others by glancing out afar, and see there are no beings.

Once you have realized these three, you observed emptiness!"

Nothing is tougher than waving goodbye; pain always throbs us when we leave the environment, the things, even the people we used to be familiar with. We human beings tend to indulge ourselves in our comfort zones in content; living in there happily forever seems wonderful. However, this plays the role of shelters as well as obstacles to our success. Thus,

"leaving" becomes a must-do for humankind to integrate things going on around us. Only when we leave our "shadow", the comfort zone that provides us a sense of security, can we truly challenge ourselves to go beyond our potentials; only when we force ourselves to stand away from where we used to belong to can we see through our deficiencies.

Gerahmt in schwarz , geschützt durch eine Plexiglasscheibe.

Größe: 53 x 66 cm Öl auf Leinwand 

Jahr: 2024

Will YU 尤瑋毅

1977. 01. 31 

I'm come from Taiwanese artist, Will YU (JF#$). The creation of human nature on the subject of life philosophy is my artistic work for many years. I think that life is a very important matter, and art is a secondary issue. Because if you seriously think about all the problems in life, your artistic creation will naturally be strong. However, art must be

"sincere".

We had that imaginary world in our minds when we were little.

As i grew up, I still pursue that wonder world.

Because art is "here"

Because I am, art is here

Because art is here, my life truly "exists" people see my dreams rather than telling them.

"I am art"

Artist Statement

A highly-reputed ancient Chinese philosopher, Laozi, once put down:

"Observe your mind by introspection, and see there is no mind; then observe the body, look at yourself from without, and see there is no body; then observe others by glancing out afar, and see there are no beings.

Once you have realized these three, you observed emptiness!"

Nothing is tougher than waving goodbye; pain always throbs us when we leave the environment, the things, even the people we used to be familiar with. We human beings tend to indulge ourselves in our comfort zones in content; living in there happily forever seems wonderful. However, this plays the role of shelters as well as obstacles to our success. Thus,

"leaving" becomes a must-do for humankind to integrate things going on around us. Only when we leave our "shadow", the comfort zone that provides us a sense of security, can we truly challenge ourselves to go beyond our potentials; only when we force ourselves to stand away from where we used to belong to can we see through our deficiencies.

Original Gemälde des Hanauer Künstlers Lars Contzen

Mixed Media auf Leinwand

Größe: 190x140 cm 

Acryl auf Leinwand 

60 x 140 cm

Emanuel de Sousa
I was born in Porto Santo island, part of Madeira archipelago, in Portugal, back in 1977, and I believe this fact to be, probably, the main characteristic that most influenced my work, especially these last few years.
 In the interest of context, Portugal was under a dictatorship that lasted over 50 years, until April the 25th of 1974, when we got our freedom back, through a military revolution, or in more popular terms, the carnations (a flower) revolution. Adding to this paradigm, being born in an island, remote by today's standards, we had very little access to updated information, and usually things took quite a long time to change, evolve and transform. Therefore, our tv shows were antiquated and I grew up watching old American tv shows and films from the 1950s and 60s, and this trend went well into my teenage years, having a great influence on the way I saw the world out here, without leaving the island.
Fast forward a few years, and after art school (university of Porto, Fine Arts, Painting degree) my development started with the appreciation of Human Figure and all its challenges, being influenced by the works of my favourite artist, Paula Rego, and later, Lucian Freud. After a long while studying this theme, how flesh could be represented with character and strength, exploring how challenging and sublime the architecture of the human body is, memory and the need to know more about my past finally caught up with me… and so I started diving into it and collected elements I found exciting and curious, elements that brought a sense of familiarity, nostalgia even.
Taking this motivation as a starting point, stories started emerging… not exactly recounting of memories from times past but instead new narratives using elements, fragments from those past days, like, the colour of the linoleum of the kitchen floor from our old hose, a certain pattern of one of my mother’s dresses, or watching cartoons on a black and white Grundig TV set. These elements inform my compositions, my pallet choices, the characters I create and the stories that come out of this almost dream like state that our memory is, no matter how unfaithful it might be, but it’s quite fun to explore it.

Acryl auf Leinwand 

60 x 140 cm

Emanuel de Sousa 
I was born in Porto Santo island, part of Madeira archipelago, in Portugal, back in 1977, and I believe this fact to be, probably, the main characteristic that most influenced my work, especially these last few years.
 In the interest of context, Portugal was under a dictatorship that lasted over 50 years, until April the 25th of 1974, when we got our freedom back, through a military revolution, or in more popular terms, the carnations (a flower) revolution. Adding to this paradigm, being born in an island, remote by today's standards, we had very little access to updated information, and usually things took quite a long time to change, evolve and transform. Therefore, our tv shows were antiquated and I grew up watching old American tv shows and films from the 1950s and 60s, and this trend went well into my teenage years, having a great influence on the way I saw the world out here, without leaving the island.
Fast forward a few years, and after art school (university of Porto, Fine Arts, Painting degree) my development started with the appreciation of Human Figure and all its challenges, being influenced by the works of my favourite artist, Paula Rego, and later, Lucian Freud. After a long while studying this theme, how flesh could be represented with character and strength, exploring how challenging and sublime the architecture of the human body is, memory and the need to know more about my past finally caught up with me… and so I started diving into it and collected elements I found exciting and curious, elements that brought a sense of familiarity, nostalgia even.
Taking this motivation as a starting point, stories started emerging… not exactly recounting of memories from times past but instead new narratives using elements, fragments from those past days, like, the colour of the linoleum of the kitchen floor from our old hose, a certain pattern of one of my mother’s dresses, or watching cartoons on a black and white Grundig TV set. These elements inform my compositions, my pallet choices, the characters I create and the stories that come out of this almost dream like state that our memory is, no matter how unfaithful it might be, but it’s quite fun to explore it.

Original Gemälde des portugiesischen Künstlers Emanuel de Sousa.

Die Größe des Werkes: 140 cm x 140 cm auf Leinwand

Original Gemälde des portugiesischen Künstlers Emanuel de Sousa. 

Größe des Werkes: 140 cm x 170 cm auf Leinwand

Original Gemälde des portugiesischen Künstler Emanuel de Sousa.

Der Künstler lebt und arbeitet in Schottland.

Das Werk hat eine Größe von: 130 cm x 120 cm auf Leinwand, Mixed Media 

Glasobjekt des jungen, internationalen Designers Fabio Vogel

Einzelstück, Mundgeblasen, manuell geformt und signiert.

Farbe: gold green

Größe ca.46 cm x 25 cm

Produktserie: ARCHETYPES

105 ltr forms

The pieces are formed using a combination of methodologies, utilizing fireproof textiles to shape and impact the end result.
In the approach to creating the pieces, Vogel Studio allows the concept of ‘fire-as-element’ to direct this design process. 

In crafting pieces from hand- blown glass, the contrasting relationship between the destructive power of fire and its creative

strength is an ever present reality.
The pieces are shaped using a fireproof fabric mould, the effect of which is clearly visible in their patterned exterior where indentations and
stitches punctuate the face of the glass. The project combines the smooth, elegant aesthetic of the glass with a more traditional, time-worn 

visual of woven cloth. While outer seams may appear to hold the forms together, the effect concludes at the neck of the piece where fabric

gives way to polished glass.
Every glass object is blown by hand in Sweden, Denmark or Germany and deformed by the designer Fabio Vogel itself. The glass objects

are always one of its kind.

Glasobjekt des jungen, internationalen Designers Fabio Vogel

Einzelstück, Mundgeblasen, manuell geformt und signiert.

Farbe: sari blue

Größe ca. 46 cm x 26 cm

Produktserie: ARCHETYPES

105 ltr forms

The pieces are formed using a combination of methodologies, utilizing fireproof textiles to shape and impact the end result.
In the approach to creating the pieces, Vogel Studio allows the concept of ‘fire-as-element’ to direct this design process. 

In crafting pieces from hand- blown glass, the contrasting relationship between the destructive power of fire and its creative

strength is an ever present reality.
The pieces are shaped using a fireproof fabric mould, the effect of which is clearly visible in their patterned exterior where indentations and
stitches punctuate the face of the glass. The project combines the smooth, elegant aesthetic of the glass with a more traditional, time-worn 

visual of woven cloth. While outer seams may appear to hold the forms together, the effect concludes at the neck of the piece where fabric

gives way to polished glass.
Every glass object is blown by hand in Sweden, Denmark or Germany and deformed by the designer Fabio Vogel itself. The glass objects

are always one of its kind.

Glasobjekt des jungen, internationalen Designers Fabio Vogel

Einzelstück, Mundgeblasen, manuell geformt und signiert.

Farbe: fuchsia

Größe ca. 39 cm x 29 cm

Produktserie: ARCHETYPES105

105 ltr forms

The pieces are formed using a combination of methodologies, utilizing fireproof textiles to shape and impact the end result.
In the approach to creating the pieces, Vogel Studio allows the concept of ‘fire-as-element’ to direct this design process. 

In crafting pieces from hand- blown glass, the contrasting relationship between the destructive power of fire and its creative

strength is an ever present reality.
The pieces are shaped using a fireproof fabric mould, the effect of which is clearly visible in their patterned exterior where indentations and
stitches punctuate the face of the glass. The project combines the smooth, elegant aesthetic of the glass with a more traditional, time-worn 

visual of woven cloth. While outer seams may appear to hold the forms together, the effect concludes at the neck of the piece where fabric

gives way to polished glass.
Every glass object is blown by hand in Sweden, Denmark or Germany and deformed by the designer Fabio Vogel itself. The glass objects

are always one of its kind.

Glasobjekt des jungen, internationalen Designers Fabio Vogel

Einzelstück, Mundgeblasen, manuell geformt und signiert.

Farbe: Amber dark 

Größe ca. 43cm x 29 cm

Produktserie: ARCHETYPES

105 ltr forms

The pieces are formed using a combination of methodologies, utilizing fireproof textiles to shape and impact the end result.
In the approach to creating the pieces, Vogel Studio allows the concept of ‘fire-as-element’ to direct this design process. 

In crafting pieces from hand- blown glass, the contrasting relationship between the destructive power of fire and its creative

strength is an ever present reality.
The pieces are shaped using a fireproof fabric mould, the effect of which is clearly visible in their patterned exterior where indentations and
stitches punctuate the face of the glass. The project combines the smooth, elegant aesthetic of the glass with a more traditional, time-worn 

visual of woven cloth. While outer seams may appear to hold the forms together, the effect concludes at the neck of the piece where fabric

gives way to polished glass.
Every glass object is blown by hand in Sweden, Denmark or Germany and deformed by the designer Fabio Vogel itself. The glass objects

are always one of its kind.

Kleine Glasobjekte des Designers Fabio Vogel, limitiert und signiert.

Der Preis gilt pro Objekt!!!!